«Written in Sound»
Basado en varias obras tradicionales de ópera china / Dirección: Tan Yun
Espacio: AUREA Antigua Universidad
Fechas: 03 julio-04 julio – 20.00h
Compañía: Shanghai Huai Opera Troupe
Duración: 75 min.
Idioma:
Chino, con sobretítulos en español
Precios: 21€, 27€ y 29€
Tras la muerte de su abuelo, un guitarrista regresa a su país con un legado inesperado: un conjunto de cartas nunca entregadas a la mujer que marcó una vida. Ella, célebre cantante de ópera en el Shanghái de mediados del siglo XX, desapareció sin dejar rastro, dejando en suspenso una historia atravesada por la distancia y el paso de los años.
A partir de este hallazgo, el espectáculo traza un diálogo con El pabellón de las peonías, obra de Tang Xianzu escrita en 1598 para la ópera kunqu. Considerada una de las cimas de la dramaturgia china, narra el amor de Du Liniang y Liu Mengmei, capaz de desafiar las normas sociales, el orden del mundo e incluso la muerte.
La propuesta, interpretada por la Shanghai Huai Opera Troupe dirigida por Tan-Yun, articula distintas formas de la ópera tradicional china. Ahora recalan en Almagro con su Written in Sound, un exquisito puzzle de tiempos, músicas, acentos y emociones.
Desde el Festival os invitamos a escuchar cómo las historias viajan, se transforman y regresan, recordándonos que el amor y la memoria siguen encontrando su lugar en escena.
«Ludoteca»
Espacio de conciliación familiar y laboral del Festival de Almagro
Espacio: Biblioteca Municipal Manolita Espinosa
Fechas: 02 julio-25 julio
Jueves, Viernes y Sábados
Horario: 19.00 — 22.00h
22.00 — 00.45h
10 € por franja horaria y menor
Inscripciones a partir del 12 de junio
Un espacio diseñado especialmente para niñas y niños, donde podrán sumergirse en actividades relacionadas con el universo del Siglo de Oro mientras sus padres y madres disfrutan de los espectáculos del Festival. No solo ofrecemos entretenimiento educativo, sino que también buscamos facilitar la conciliación familiar y laboral para los artistas vinculados a nuestro Festival.
La ludoteca estará abierta del 2 al 26 de julio en dos tramos horarios, adaptados para que el público pueda asistir a los espectáculos del Festival, y al mismo tiempo, se brinde la oportunidad a los equipos técnicos y artísticos de las compañías participantes de contar con un espacio donde las y los menores puedan disfrutar de actividades relacionadas con el teatro en un ambiente seguro y estimulante. Los juegos y actividades promueven la solidaridad, cooperación, respeto, tolerancia, empatía, compasión, creatividad y autonomía de las niñas y los niños. Juegos como la Caza del tesoro con personajes históricos, teatro de sombras, juego de preguntas y respuestas, baile de máscaras y gymkana literaria serán nuestras herramientas para jugar.
«Feria de artesanía»
En colaboración con: Asociación para mantener e impulsar la Artesanía en Ciudad Real (AMIARTE)
Espacio: Calle Feria (junto a la Iglesia de San Agustín)
Fechas: 0 julio-27 julio
Jueves a domingo
Horario: 19.00 — 01.00h (sáb. 02.00h)
En el marco del 49° Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, la Feria de Artesanía se consolida como un espacio de encuentro con la tradición, el arte y el talento de los creadores locales. Ubicada en la Calle Feria, junto a la emblemática Iglesia de San Agustín, esta feria reúne cada fin de semana, a diez artesanos que, a través de sus creaciones, ofrecen una muestra representativa de los oficios y técnicas que han perdurado a lo largo de los siglos.
Además de la Feria en sí misma y con el objetivo de fomentar el conocimiento y la participación del público, la asociación AMIARTE ofrecerá doce talleres dirigidos al público familiar durante los fines de semana de duración de la Feria. Estos talleres permitirán a adultos y pequeños acercarse a distintas disciplinas artesanales de manera tan didáctica como entretenida.
Las sesiones tendrán lugar los viernes, sábados y domingos, y se realizarán en espacios emblemáticos de la ciudad, como la Plaza Mayor o junto a la caseta de merchandising del Festival, con el fin de acercar aún más la artesanía al público.
Acércate a la artesanía en Almagro.
«El lindo don Diego»
De: Agustín Moreto / Versión: Fernando Sansegundo / Dirección: Borja Rodríguez
Espacio: Casa Palacio de los Villarreal
Fechas: 03 julio-04 julio – 22.45h
Compañía: MIC Producciones
Duración: 110 min.
Precios: 19€, 21€, 27€ y 29€
El lindo Don Diego es uno de esos textos que tienen la capacidad de darlo todo, pero a cambio de todo. Permiten realizar una traslación -en este caso a la Italia de 1930- pero a cambio de tener algo poderoso que decir sobre ella y sobre sus personajes. Y ofrece y exige estar a pleno rendimiento en cuestión de la forma, el ritmo, la imagen, la palabra, los planos de acción, etc. La compañía MIC Producciones, con Borja Rodríguez en la dirección, ha querido ser audaz y jugar este salto para hablar de la humanidad a través del clásico.
Porque, ¿hay algo más actual que hablar de la capacidad de un narcisista para desbaratar los anhelos más nobles en favor de una fantochada? Alrededor de Don Diego el mundo sufre, se desbarata y se arrebata como en una pieza de Goldoni, recordándonos a los criados de la Commedia dell’Arte, a los enamorados, a los arquetipos que tanto ingenio desparramaron sobre las tablas. La traslación italiana no es casual ni caprichosa; el juego de espejos con lo que nos ocurre hoy, tampoco. Y esos espejos, brillantes en la versión que firma Fernando Sansegundo, nos devolverán, tal vez con justicia, la imagen que ignoramos de nosotros mismos.
«Hacer realidad lo fingido y verdadero lo aparente»
Mujeres, oficios y genealogías del Siglo de Oro
Espacio: Casa Palacio Juan Jedler
Fechas: 03 julio-26 julio
Martes – domingo: 10.00 – 14.00h | 17.00 – 20.00h
Entrada Libre
Hacer realidad lo fingido y verdadero lo aparente invita a ampliar la mirada del Siglo de Oro y acercarse a esta gran etapa del Barroco desde aquellos espacios en los que la vida y la creación se entrelazaban hasta alcanzar una de las cumbres más altas de la cultura española.
En talleres, casas y escenarios se articulaba un sistema de trabajo compartido en el que los oficios se aprendían y se ejercían en comunidad. Las mujeres formaron parte de ese entramado, donde tuvieron una presencia constante, vinculada tanto a la producción de las obras más artísticas como a la organización cotidiana de los talleres, la gestión de negocios o la transmisión de los saberes. En los obradores familiares asumieron grandes responsabilidades, haciendo posible la continuidad de los oficios y participando activamente en la economía cultural de su tiempo.
A los nombres de María de Zayas, Ana Caro Mallén o Sor Juana Inés de la Cruz, junto a las trayectorias escénicas de La Calderona o María de Navas, se suman aquí otras presencias menos visibles en los relatos pero muy importantes dentro del tejido productivo del momento: bordadoras, impresoras, libreras, comediantas, copistas, cuidadoras. Sus prácticas, sus decisiones y sus formas de hacer configuran una red de conocimiento que hizo posible el desarrollo artístico del Barroco.
La exposición se construye desde esa trama y propone una lectura en clave de genealogía, entendida como una forma de atender a las continuidades que atraviesan el tiempo. A través de los vínculos entre unas y otras, de los aprendizajes compartidos y de los gestos que se transmiten, se dibuja una red en la que el conocimiento circula, se transforma y permanece.
En ese recorrido, el asesoramiento de Alba Gómez de Zamora, especializada en historia cultural, ha permitido situar estas trayectorias en su contexto y profundizar en su alcance dentro de la cultura barroca.
El proyecto forma parte de Conectados al Siglo de Oro, el programa de mediación cultural y educativa del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, orientado a la construcción de referentes femeninos a partir del conocimiento del patrimonio. En colaboración con el IES Clavero Fernández de Córdoba (Almagro, Ciudad Real), el IES Cañada de la Encina (Iniesta, Cuenca) y el IES Río Júcar (Madrigueras, Albacete) -tres institutos de Castilla-La Mancha- el alumnado ha desarrollado un proceso de investigación, lectura y creación que incorpora nuevas miradas al relato, en un trabajo de mediación guiado por Victoria Sandoval.
Algunas de las piezas que integran la exposición -siluetas, textos y audios- nacen de ese trabajo compartido, de un proceso de conexión entre nuestra sociedad más presente y el Siglo de Oro. Un recorrido que parte de la adolescencia, dialoga con sus referentes y concluye incorporando al relato una nueva capa de sentido que nos invita a resignificar este periodo. Aquí, el Siglo de Oro se manifiesta no solo como un momento de máximo esplendor, sino como un tiempo en el que, desde distintas posiciones, hombres y mujeres participaron conjuntamente en la construcción de la vida social y cultural.
No buscamos cerrar una historia, sino abrirla, y, quizá, empezar a contarla de otra manera.
«Las hijas de Felipe»
Podcast (Grabación en directo) Dirección: Ana Garriga y Carmen Urbita
Espacio: Corral de Comedias
Fechas: 03 julio – 12.00h
Compañía: Radio Primavera Sound
Duración: 60 min.
Entradas libres agotadas
El Corral de Comedias acoge un año más a dos de nuestras más celebradas divulgadoras del Siglo de Oro: Las hijas de Felipe regresan con sus diálogos tan documentados como irreverentes, tan lúdicos como esclarecedores de lo que fue -de lo que es, para nosotras- el Barroco.
Carmen Urbita y Ana Garrido, además de compartir su erudición y su personal enfoque sobre el periodo áureo en un nuevo episodio del podcast que produce Radio Primavera Sound, presentan en el Festival Instrucción de novicias (Vidas del convento barroco para guiar tu presente), un libro que es resultado de más de quince años de investigación y que ofrece un recorrido fascinante por las vidas de las monjas del Barroco y lo que ocurría en los conventos, espacios gobernados por mujeres que desarrollaron un complejo entramado social en el que tenían cabida el trabajo y la creatividad, la moda y la fama, la amistad y el amor, la política y la economía… Y desde donde estas mujeres propusieron innovadoras soluciones a los agobios de la vida mundana.
«Laurencia»
De: Alberto Conejero / Dirección: Aitana Galán
Espacio: Corral de Comedias
Fechas: 03 julio-05 julio – 22.45h
Compañía: CNTC
Duración: 75 min.
Precios: 21€, 27€ y 29€
“Laurencia no es una versión ni una reescritura de Fuenteovejuna, sino un nuevo texto que surge de la fascinación que me despierta el personaje de Lope de Vega y de preguntas que me acompañan desde que realicé una versión del original en 2017: ¿por qué la ausencia de la madre de Laurencia durante toda la obra? y ¿cómo sería la vida de este personaje después de los sucesos contados en Fuenteovejuna? Ahora ha llegado el momento de imaginar esas respuestas en esta obra que es también una carta de amor —con respeto y libertad— a nuestro inmortal teatro clásico”.
Estas palabras de Alberto Conejero, autor de Laurencia, definen la propuesta con que la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) da voz al inmortal personaje de Lope, encarnado en Ana Wagener bajo la dirección de Aitana Galán, quien amplía el alcance de Laurencia en tanto que “recorre –de alguna forma– la historia desafortunada de tantas de las heroínas de nuestra literatura dramática y, por tanto, recorre también mucha de nuestra Historia y patrimonio cultural”. Los textos clásicos, de nuevo, originan otros textos, otros recorridos que se entrecruzan y se complementan como en un laberinto gozoso de referencias que, en última instancia, se enriquecen mutuamente, nos enriquecen.
«LOPE PARA TODOS Lope de Vega y la CNTC: 40 años de sintonía»
En colaboración con: Museo Nacional de Artes Escénicas (MNAE) y la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC)
Espacio: Espacio de Arte Contemporáneo
Fechas: 03 julio-26 julio
Martes – viernes: 10.00 – 14.00h y 17.00 – 19.30h
Sábados: 10.30 – 14.00h y 17.00 – 19.30h
Domingos: 10.30 – 14.00h
Entrada libre
De igual modo que Lope de Vega al crear la Comedia Nacional propició la presencia en los corrales de comedias de públicos de todos los estratos sociales, el nacimiento de la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha contribuido poderosamente al acercamiento del teatro clásico a la ciudadanía. A lo largo de estas cuatro décadas, esta Compañía Nacional se ha esforzado en incorporar a su platea a público familiar y juvenil, público interesado en los aspectos musicales o metateatrales, público alejado de los grandes núcleos urbanos, y, en los últimos años, en consonancia con la mayor sensibilidad de la sociedad, a esos grupos a los que, secularmente, les ha resultado más dificultoso el acceso a la cultura. Con este objetivo, la Compañía ha propiciado la evolución de sus espectáculos, adaptándolos al tipo de espectador al que iban más directamente dirigidos o como consecuencia del propio transcurrir del tiempo y de las estéticas imperantes. Sin embargo, a un elemento se ha mantenido fiel: al verso, la palabra de Lope, esencia de los montajes de la Compañía.
El visitante de esta exposición que recoge los 40 años de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, a la par que va descubriendo los principales hitos que han jalonado su devenir, especialmente aquellos relacionados con la atención a los diversos tipos de públicos, irá apreciando los componentes artísticos y audiovisuales, centrados en los montajes basados en textos lopescos. En este recorrido por la historia de la Compañía, nos encontraremos desde los figurines y el boceto escenográfico de Carlos Cytrynowski para Los locos de Valencia, primer montaje lopesco dirigido por Adolfo Marsillach en 1986; a algunas piezas del vestuario diseñadas, entre otros, por Miguel Narros para El caballero de Olmedo, por Pedro Moreno para El anzuelo de Fenisa, Lorenzo Caprile para Las Bizarrías de Belisa o Ana Garay para La villana de Getafe; a los diseños escenográficos de Andrea D’Odorico, Ricardo Sánchez Cuerda, José Novoa, Mónica Borromello, Carolina González, etc., o los figurines de Almudena Rodríguez Huertas, María Araujo, Rosa García Andújar, entre otros. Todo este recorrido estará ilustrado, así mismo, con abundante material fotográfico de casi medio centenar de espectáculos; fragmentos videográficos y musicales en los que se apreciará el buenhacer de algunos de los grandes intérpretes con que ha contado la Compañía, todos ellos expertos en el “decir” del verso, así como con elementos muy plásticos e identificativos de la utilería. Cerraremos nuestro paseo por el devenir de la Compañía con una muestra del rico acervo editorial que la entidad ha atesorado con rigor y mimo desde sus inicios, publicaciones que, como el resto de piezas exhibidas, evidenciarán la evolución de esta destacada herramienta de difusión patrimonial que ha sido y es la Compañía Nacional de Teatro Clásico.
«Sal de Ronda»
En colaboración con: Diputación de Ciudad Real, Asociación para el Desarrollo del Campo de Calatrava, Asociación de Turismo de Almagro y Venari
Espacio: Ciudad de Almagro
Fechas: 02 julio-26 julio
¿Preparados para empezar la gincana de los sabores del Siglo de Oro manchego?
Si de aventuras se trata, no todas se libran con espada en mano, hay algunas que se emprenden con pan, cuchara y buen vino. Y en esta, vuestra merced hallará más deleite que fatiga.
El Siglo de Oro también se saborea. Está en cada bocado, en cada receta que ha llegado hasta nosotros desde otro tiempo.
Sal de Ronda es la propuesta gastronómica del Festival: una invitación a recorrer bares y restaurantes de Almagro y el Campo de Calatrava a través de tapas inspiradas en la cocina tradicional y en los productos de la tierra. Un itinerario que comienza con pequeños bocados y prosigue con los vinos de la DO La Mancha y del Campo de Calatrava, que, en su justa medida, dan aliento al cuerpo y contento al ánimo.
En esta edición, los establecimientos participantes ofrecerán dos tapas especiales, una de caza, para los gustos más recios, y otra de carácter vegetariano, para quienes prefieren lo templado y sutil. Todo ello a precio concertado, porque en esta empresa nadie ha de quedar fuera.
Y porque toda andanza merece recompensa, podrá el caminante hacerse con un pasaporte gastronómico con el que, tras completar su recorrido, entrará en el sorteo de lotes de productos de la tierra.
Decidnos, pues: ¿cuántas recetas conocéis? ¿Cuántas habéis probado?
El recetario del Siglo de Oro reúne platos que forman parte de nuestra memoria: alboronía, duelos y quebrantos, gachas, migas, morteruelo, olla podrida, perdiz en escabeche, pestiños, tortas o turrones. Sabores que hablan de lo cotidiano y de lo festivo, de lo sencillo y de lo extraordinario.
Entrad, pues, en esta aventura de sabores, y si al final del camino halláis contento, no penséis que es encantamiento, sino verdad bien cierta: que en Almagro, como en las buenas historias, siempre se sale con algo ganado.
Déjate llevar por el sabor del Siglo de Oro.
«Taller de Encaje de Bolillos»
Taller adultos En colaboración con: Museo del Encaje y la Blonda, Ayuntamiento de Almagro y la Universidad Popular de Almagro
Espacio: Museo del Encaje y la Blonda
Fechas: 03, 10, 17 y 24 julio – 10.00 – 12.00h
Duración: 120 min.
Participantes: 10
Actividad gratuita previa inscripción
Te invitamos a sumergirte en la rica tradición del encaje de bolillos, una artesanía que forma parte de la identidad de Almagro desde el siglo XVI, cuando su práctica se extendió en la comarca al calor de los intercambios europeos y la actividad textil de Castilla. Desde entonces, el encaje ha acompañado la vida cotidiana de generaciones de mujeres, transmitiéndose de madres a hijas y convirtiéndose también en un importante apoyo para la economía familiar.
Este taller, dirigido a personas adultas, ofrece una oportunidad única para aprender y practicar esta técnica ancestral en un entorno auténtico. A lo largo de las sesiones, exploraremos la evolución del encaje de bolillos en Almagro, que alcanzó su gran desarrollo entre los siglos XVIII y XIX con la producción de blondas y mantillas, algunas de las más reconocidas de España.
Nos acercaremos también a la diversidad de este arte, descubriendo distintos tipos de encaje —como el medio punto, el guipur o las blondas de seda— y los motivos que los caracterizan, desde formas geométricas hasta diseños florales y ornamentales.
Aprenderemos técnicas fundamentales como los cruces básicos —cruzar, girar y entrelazar los hilos—, familiarizándonos con el uso de los bolillos, la almohadilla o “mundillo”, los alfileres y los patrones o “picaos”, que guían el dibujo del encaje.
Y también crearemos piezas propias: desarrollarás tus habilidades manuales elaborando pequeñas muestras de encaje, guiado por artesanas y artesanos locales que mantienen viva esta tradición.
No pierdas la oportunidad de descubrir y practicar el encaje de bolillos en un ambiente histórico y cultural incomparable. Una invitación a detener el tiempo, a escuchar el ritmo de los bolillos y a formar parte de una memoria que sigue tejiéndose, hilo a hilo, en Almagro.
Imparte la formación: Nieves Chaves, encajera local y monitora del taller de encaje de la Universidad.
Periodo de inscripciones: del 8 al 30 de junio en horario de 9:30 a 14 horas y/o hasta fin de plaza disponibles. La solicitud deberá tramitarse mediante formulario (disponible en Almagro.es) de forma presencial en la Oficina de la Up o enviándolo por correo electrónico a up@almagro.es
«Exposición permanente del Museo Nacional de Artes Escénicas MNAE»
Espacio: Museo Nacional de Artes Escénicas
Fechas: 03 julio-26 julio
Martes – viernes: 10.00—14.00h y 17.00—19.30h
Sábados 4, 11 y 18 julio: 10.30—14.00h y 16.00—19.30h
Sábado 25 julio 17.00—19.30h
Domingos 10.30—14.00h
Lunes cerrado
Entrada libre
Ubicado en el corazón de Almagro, el Museo Nacional de Artes Escénicas (MNAE) es un espacio donde la historia de la escena cobra vida. Renovado recientemente, el museo refleja la diversidad de las artes escénicas y reúne colecciones dedicadas al teatro, la danza, la música, la zarzuela y el circo.
Su colección permanente propone un recorrido hacia atrás en el tiempo, desde el siglo XXI hasta los orígenes de la tradición escénica. A través de esta línea temporal, el visitante descubre cómo muchos temas, conflictos y emociones se repiten a lo largo de la historia, desde la antigua Grecia hasta la actualidad.
El recorrido concluye con una mirada a los cuatro elementos de la naturaleza —agua, aire, fuego y tierra— al servicio de la escena. Así, el MNAE se convierte en un espacio didáctico que acerca al público al patrimonio y la evolución de las artes escénicas.
Dirección MNAE: Beatriz Patiño
«Visitas guiadas a la exposición permanente del MNAE»
Espacio: Museo Nacional de Artes Escénicas
Fechas: 03, 08, 10, 15, 17, 22 y 24 julio
11.00h
Miércoles y viernes
Duración: 50 min.
Participantes: 25
Inscripciones a través del teléfono del museo 926 26 10 14.
El horario de atención telefónica es : Martes a viernes de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 18:30.
Sábados de 10:30 a 14:00 y de 16:00 a 18:30.
Domingos y festivos de 10:30 a 14:00.
Durante el mes de julio, el horario de la tarde cambia, siendo de 17 a 19:30 (martes a sábado)
Descubre la historia de la escena con las visitas guiadas al Museo Nacional de Artes Escénicas (MNAE), en el corazón de Almagro. De la mano de Andrea Delicado, mediadora cultural del museo, podrás recorrer su colección permanente y adentrarte en un fascinante viaje hacia las raíces de nuestra cultura escénica.
A través de vestuarios históricos, escenografías, carteles, fotografías y documentos, el recorrido muestra la evolución del teatro, la danza, la música, la zarzuela o el circo en España. La visita propone un recorrido en el tiempo desde el siglo XXI hasta la antigua Grecia, revelando cómo muchos de los temas, conflictos y emociones presentes en la escena actual tienen su origen en épocas pasadas.
Además, descubrirás los oficios, recursos y elementos que hacen posible la magia del espectáculo. Una oportunidad única para comprender y disfrutar el patrimonio de las artes escénicas acompañado de una mirada experta.
«Genius Loci. Los espíritus del Corral»
Judit Canela, ilustradora Almagro49
Espacio: Palacio de Villarreal
Fechas: 03 julio-26 julio
Abierta al público 30 min. antes del comienzo de las funciones en el espacio.
Esa sensación tan precisa de provocar en alguien la chispa para que imagine un universo que tú intuías y que, al hacerlo, lo amplíe, lo desplace y lo complete describe perfectamente cómo ha sido trabajar con Judit Canela, donde una idea inicial —el juego, la baraja, el laberinto, el espíritu del lugar— toma forma en un lenguaje visual que permite pensar y mirar al mismo tiempo.
El punto de partida está en un hallazgo que también es una forma de leer: el Corral de Comedias de Almagro se reconoce como teatro a partir de una baraja enterrada. Un objeto cotidiano que, al aparecer, activa la memoria del lugar y ofrece una manera de entenderlo.
En esa baraja se organizaba el mundo. Los palos representaban los estamentos que sostenían la vida en común. Hoy los leemos como fuerzas que siguen presentes: los oros sitúan el valor y el deseo; las espadas introducen el conflicto; las copas convocan el encuentro; los bastos sostienen lo cotidiano. Las figuras —Rey, Caballo y Sota— marcan posiciones desde las que situarse y aprender a leer la partida.
A partir de ahí, Judit Canela transforma esas figuras en un conjunto de piezas que, al relacionarse entre sí, construyen un sistema en el que cada imagen encuentra su lugar. Esa misma forma de mirar atraviesa el Festival, donde cada elección dibuja su propio recorrido. El cartel lo recoge como un mapa en el que las piezas se enlazan y forman un laberinto que solo existe al ser atravesado.
Genius loci propone así una manera de leer y habitar Almagro en la que el sentido aparece en lo que sucede entre las imágenes y en la mirada de quien las cruza. ¿Hasta dónde quieres jugar? ¿Qué camino eliges, vuelves atrás, avanzas? En ese recorrido, casi sin darte cuenta, el lugar empieza a mirarte también a ti. Son los espíritus del Corral, que siempre han estado ahí. Y por un instante, sientes que te reconocen. Sin saber cómo, ya formas parte de ellos.
Judit Canela
Barcelona, 1985
Dibujar es una forma de ordenar el mundo.
Judit Canela crece dibujando. Horas en silencio, en un rincón, mientras a su alrededor transcurre la vida. Recuerda veranos enteros acompañando a su abuela, profesora de bridge, que daba clase y organizaba partidas mientras ella, apartada, llenaba papeles. No hacía falta nada más. Ese gesto, repetido en el tiempo, permanece hoy en el centro de su práctica.
Se forma en Comunicación Audiovisual en la Universitat Pompeu Fabra, atraída por la narración, por la posibilidad de pensar una historia y darle forma. Muy pronto reconoce que su lugar está en la imagen detenida, en la síntesis, en ese instante donde una idea encuentra su forma más precisa.
“Ilustrar es poner luz a una idea…”
La ilustración aparece entonces como un regreso consciente, un desplazamiento hacia un lenguaje donde narrar consiste en elegir, en reducir y en decidir qué permanece.
Su paso por la Escola Massana y su encuentro con la ilustradora Àfrica Fanlo resultan decisivos, al descubrir que ilustrar implica iluminar un contenido y encontrar la forma justa para hacerlo visible, desplazando el centro de su trabajo hacia la construcción de sentido.
Completa su formación en diseño editorial en BAU, incorporando una atención rigurosa a la composición, de modo que ilustración y diseño operan desde entonces dentro de una misma lógica.
Su práctica encuentra un equilibrio constante entre encargos profesionales y una investigación personal en la que las formas se depuran hasta alcanzar una claridad esencial.
En ese proceso, la geometría ordena y relaciona, permitiendo que las imágenes se construyan como estructuras donde cada elemento ocupa un lugar preciso, mientras la figuración se simplifica y se abre, y el color introduce ritmo, establece vínculos y equilibra el conjunto.
Arquitectura, danza, cine y cultura japonesa atraviesan su universo visual, que mantiene una atención constante al movimiento y a la relación entre los elementos, como si cada imagen contuviera una coreografía en pausa.
Hay en su trabajo una conexión directa con lo cotidiano, donde un gesto o un objeto bastan para activar una imagen, en una cercanía que convive con una voluntad de síntesis.
A lo largo de su trayectoria ha desarrollado también proyectos vinculados a contextos sociales concretos, entendiendo la imagen como una forma de comunicación capaz de aportar y de situarse en relación con otros.
Trabaja en Barcelona. Empieza el día con un café, casi siempre en el mismo lugar, antes de llegar al estudio. Dibuja, ajusta, elimina, vuelve a empezar.
«Un vestuario de Goya»
30 años de El perro del hortelano de Pilar Miró
Espacio: Parador de Almagro
Fechas: 03 julio-26 julio
De lunes a sábado: 10.00—14.00h y 17.00—20.00h
Domingos y festivos: 11.00—14.00h y 17.00—20.00h
Celebrar los treinta años de El perro del hortelano en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro supone reencontrarse con una de esas obras que ampliaron para siempre la mirada sobre los clásicos. La película de Pilar Miró no solo trasladó a Lope de Vega a la gran pantalla, sino que demostró que el teatro clásico podía dialogar con el cine desde la belleza, la inteligencia y una ambición cultural profundamente contemporánea.
Contemplar parte del extraordinario vestuario creado por Pedro Moreno permite adentrarse en una de las arquitecturas visuales más memorables de nuestro cine. Cada pieza conserva la belleza, la precisión y la potencia estética de una obra irrepetible. Y al volver sobre El perro del hortelano, resulta inevitable recordar que aquella película abrió también el horizonte de una ambición mayor: la trilogía con la que Pilar Miró soñó seguir llevando el teatro clásico español a la gran pantalla. Ese proyecto quedó suspendido, como quedan a veces los grandes sueños culturales, en un territorio de espera. Quizá recordarlo hoy sea también una forma de volver a señalar su necesidad y de invitar a que esa visión pendiente encuentre, algún día, nuevas posibilidades de hacerse realidad.
La presencia de Pedro Moreno convierte esta celebración en una experiencia aún más excepcional. Su mirada continúa orientada hacia el porvenir con la misma intensidad con la que durante décadas ha estudiado tejidos, cuerpos, espacios y personajes. Sigue atento a las generaciones más jóvenes, a sus lenguajes, a sus incertidumbres y a las transformaciones de un mundo en permanente cambio. Las exposiciones, la pintura, la música, el dibujo, el teatro o la danza continúan siendo para él territorios de aprendizaje, lugares donde seguir formulando preguntas nuevas.
Hay en su pensamiento una mezcla admirable de maestría y curiosidad, de solidez y búsqueda. La experiencia no ha apagado su incertidumbre, sino que la ha convertido en una forma de curiosidad insaciable. Pedro Moreno sigue acercándose al arte con la humildad de quien sabe que dominar un lenguaje nunca significa dejar de reinventarlo.
Por eso su paso por Almagro trasciende la conmemoración. Supone compartir la presencia de un creador que no solo forma parte de nuestra memoria cultural, sino que sigue interrogando el presente con una sensibilidad plenamente viva.
Celebramos una película irrepetible, celebramos un vestuario que ya pertenece a la historia del cine español, pero sobre todo celebramos a Pedro Moreno, cuya mayor obra quizá resida en la elegancia con la que camina por el mundo, descifrando incansablemente toda forma de belleza.
«El gran final»
Versión: Fernando Villella / Dirección: Dudu Arnalot
Espacio: Plaza Mayor
Fechas: 03 julio-04 julio – 21.00h
Compañía: Bucraá Circus en coproducción con el Festival de Payasos de Cornellá
Duración: 55 min.
El Gran Final es una tragicomedia sobre el reencuentro de dos payasos separados por una guerra civil justo antes de su último acto. Tras más de treinta años, vidas duras y con cuerpos envejecidos, se reúnen para terminarlo… en un “gran final” que no puede desvelarse, es preciso vivirlo.
Estamos ante un hermoso homenaje al oficio de hacer reír y emocionar, el oficio de payaso. El gran final es un espectáculo de clown y teatro gestual que nos sumerge en un mundo pasado y particular, por su estética y su belleza poética, y nos atrapa con la capacidad de juego e improvisación de sus personajes.
Bucraá Circus llena de humor y poesía la Plaza Mayor de Almagro con este espectáculo que, con dirección de Fernando Villella y Pau Palaus, ha sido coproducido con el Festival internacional de Payasos de Cornellá y ha obtenido premios como el de Mejor Espectáculo Festival Panorama Circada 2019 o el Premio Zirkólika al Mejor Espectáculo de Payasos de España.
«Caseta de Merchandising del Festival de Almagro»
Espacio: Plaza Mayor
Fechas: 02 julio-26 julio
De martes a jueves: 19.00—23.00h
De viernes a domingo: 11.00—14.00h | 19.00—23.00h
En los jardines de la Plaza Mayor, a la sombra, un lugar donde detenerse y respirar el Festival.
La caseta es punto de información y espacio de encuentro, pero también un pequeño territorio donde la experiencia continúa.
Aquí se despliega la colección de esta 49ª edición, creada a partir de la imagen de Judit Canela. Un universo visual inspirado en la baraja que permitió redescubrir el Corral de Comedias y que, como el propio cartel, propone un juego de formas que se enlazan, construyen un recorrido y dibujan un laberinto que se activa con la mirada.
Camisetas, abanicos, tazas, postales, imanes, carteles y programas conviven con kits de merchandising y piezas de ediciones anteriores, objetos que prolongan ese imaginario y permiten llevarse consigo una parte de lo vivido.
Entre elección y elección, la caseta invita a quedarse. Los más pequeños encuentran también su lugar, con un espacio para jugar mientras el Festival sigue sucediendo.
Un espacio cercano, abierto, donde el Festival continúa.
«Paseo de la Fama»
Los Premios Corral de Comedias 2005-2026
Espacio: Jardines de la Plaza Mayor
Fechas: 02 julio-26 julio
Espacio público al aire libre
El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro rinde homenaje a las grandes figuras que han marcado la historia del teatro del Siglo de Oro con la exposición Paseo de la Fama.
A lo largo de sus ediciones, el Festival ha reunido a actores, actrices, directores y creadores cuya trayectoria ha dejado una huella imborrable en la escena clásica. Esta muestra es un recorrido por sus nombres, sus rostros y sus aportaciones, celebrando su legado y su impacto en la difusión del teatro áureo.
Con una cuidada selección de imágenes, recuerdos y testimonios, Paseo de la Fama es un tributo a quienes han dado vida a los clásicos sobre los escenarios de Almagro, convirtiendo este festival en un referente internacional.
«El Caballero de Olmedo»
De: Lope de Vega / Versión: Laila Ripoll / Dirección: Laila Ripoll
Espacio: Teatro Adolfo Marsillach
Fechas: 02 julio-12 julio
2 julio: 23.00h
3–12 julio: 22.45h
Descanso: 6 julio
Compañía: CNTC
Duración: 120 min.
Precios: 21€, 27€ y 29€
El 49º Festival de Almagro se inaugura con uno de los espectáculos más esperados, el estreno absoluto por la Compañía Nacional de Teatro Clásico de El caballero de Olmedo, con dirección de Laila Ripoll, nueva propuesta de uno de nuestros textos canónicos del Siglo de Oro.
Y, como dicen desde la CNTC, también uno de los más hermosamente poéticos. Estrenada en 1620, los espectadores asistían a una especie de crónica de una muerte anunciada en la que, desde el inicio, conocían más que los personajes mismos, por lo que esa suerte de fatalidad generaba una profunda inquietud. Más de cuatrocientos años después los espectadores continuamos siendo cómplices, continuamos compartiendo el secreto del destino de los personajes, pero también sabemos hoy que don Alonso es un claro precedente del posterior héroe romántico; sabemos que la poesía de diálogos y situaciones está cargada de mitos presentes en las historias de terror de muchas culturas (aparecidos, emplazados, el destino terrible e inevitable); y que, ya en el siglo XX, Freud hablará de Eros y Thanatos, las pulsiones contrarias pero inseparablemente unidas de la vida y la muerte… ¿Cómo no volver a Olmedo con todo ese arsenal de conocimiento contemporáneo?
La canción popular y el monstruo. El héroe romántico de luz y el antihéroe rodeado de sombras y oscuridad: Don Alonso y don Rodrigo.
El contraste entre la vida y la muerte, la luz y la sombra.
Y lo inevitable.
«R&J»
A partir de la obra de William Shakespeare De: La Dramática Errante / Dirección: María Goiricelaya
Espacio: Teatro Municipal
Fechas: 03 julio-04 julio – 20.00h
Compañía: La Dramática Errante en coproducción con la Sala BBK
Duración: 100 min.
Precios: 21€, 27€ y 29€
¿Es Romeo y Julieta el texto perfecto para reflexionar hoy sobre el concepto de amor? ¿Qué queda de ese “amor eterno” en una era de vínculos líquidos y relaciones abiertas? Estas y otras preguntas nos plantea María Goiricelaya a través de R&J. “¿Qué hay de ese amor que nos vendieron en verso y nos dejó temblando en prosa?” R&J, según la autora, “hackea el amor, lo cuestiona y lo abraza tal y como es hoy: líquido, múltiple, ansioso, consciente, contradictorio, corporal, disidente”. Un escenario que acoge este gran clásico para desmontar prejuicios y celebrar este nuevo indómito y fascinante paradigma del AMOR”.
Recibir en el Festival de Almagro a La Dramática Errante es acoger a una compañías que desde 2021 refleja y cuestiona nuestra realidad en escena, ya sea inspirándose en nuestro presente o, como en este caso, a partir de los clásicos. Al hilo de R&J tendremos, además, la oportunidad de unirnos a la conversación entre María Goiricelaya y Valerio Rocco, filósofo y director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, alrededor del tema “El amor y la muerte barroca” y su vínculo con la juventud -tan presente en Romeo y Julieta, pero también entre los jóvenes de hoy- en uno de nuestros Encuentros en el Parador.
